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Discernimientos / Discernments | Salva Rubio Blog

Discernimientos / Discernments


Kindly Bent to Free Us, de Cynic
Cynic’s Kindly Bent to Free Us

 

 

Una de las oportunidades más interesantes que presenta escuchar metal extremo hoy en día es que, al contrario de lo que ocurre con estilos como el jazz o el rock, cuya eclosión se dió hace más de cincuenta años, es que podemos vivir "en tiempo real" su desarrollo, crecimiento y evolución.

Es por ello que seguir a bandas como Cynic y entender "en tiempo real" los cambios de su música resulta tan estimulante. Aunque ciertamente, hablamos de una banda atípica, difícil y con una historia azarosa: recordemos que Kindly Bent to Free Us es "solo" su tercer larga duración desde su formación en 1987 y el tardío lanzamiento de su impresionante Focus.

Sin embargo, el tiempo transcurrido también ha resultado ser un factor clave para la maduración de su música; en Kindly Bent… se unen los recursos técnico-progresivos que les definieron desde el principio, con la seguridad en sí mismos que se manifiesta al adecuar su tecnicismo a las necesidades de la música y nunca hacer de ello, como tantas otras bandas, una excusa para alardear de calidad instrumental.

Con frecuencia me encuentro a aficionados al rock y metal progresivo que, pese a lo que este gusto podrían indicar, se muestran particularmente recelosos de todo lo que venga del universo del metal extremo, y ofrecerles escuchar a estos floridianos siempre es satisfactorio por la respuesta entusiasta que causan. Algo que resulta aún más interesante porque, por mucho que aparentemente, su estilo haya cambiado, las bases estructurales, los recursos instrumentales y la voluntad de romper fronteras que nacieron con el death metal siguen intactas en ellos. Et quo non ascendam?

 

 

 

 


Moonrise Kingdom, de Wes Anderson
Wes Anderson’s Moonrise Kingdom

 

Es imposible para mi, como es lógico, saber cómo hubiese sido la experiencia de ver las películas de Wes Anderson siendo un niño. Sin embargo, algo tienen que tensa esa querencia.

Quizá sea porque ayuda a que resuene en mi esa verdad con la que las decisiones infantiles se toman sin dejarse afectar por la lógica adulta. O porque parece entenderse la defensa de una determinación rebelde limpia y sincera ante las limitaciones que el mundo real impone.

O puede que por mantener una visión pura y distanciada de la renuncia a aprehender la realidad de otra manera que la decidida previamente, logrando así conservar una inocencia que ni lo cínico ni el conformismo pueden domar.

Es posible que ese sea el secreto de sus historias, en las que no se ocultan, pese a ello, los elementos oscuros, los instintos, la sexualidad o la muerte, pues entonces poco quedaría más de ellas que un cuento infantil diseñado para la tranquilidad y el confort paterno.

Al contrario, Moonrise Kingdom nos habla de los momentos en que como niños escapábamos para, a escondidas, por fin poder comportarnos como adultos y fumar en secreto, bailar sin pudor o simplemente, mientras el sueño lo permitiese, leer de noche bajo las sábanas.

 

 

 

 

 

 


Georges Méliès, la magia del cine en CaixaForum Madrid
Georges Méliès, the magic of cinema at CaixaForum Madrid

 

Pese a ser un nombre por todos conocido, dado su peso en los inicios del arte cinematográfico, lo cierto es que la obra de Georges Méliès, su contexto creativo, sus fuentes y las circunstancias en que creaba son bastante desconocidas para el gran público.

Algo que esta exposición viene a remediar, tomando acertadamente la forma de un recorrido lleno de trucos visuales similares a los que el viejo maestro ilusionista gustaba de poner en práctica en el escenario y en sus películas. 

Transparencias, montajes, dobles fondos, superposiciones y sobreexposiciones son, pues, las herramientas secretas que, pese a ser desveladas, como todo mago, parecen guardar aún hoy algo de su misterio.  

 

Despite being a household name because of his influence in the beginnings of cinematic art, it is true that the works of Georges Méliès, its creative context, its sources and the circumstances in which he created are vastly unknown to the general public. 

Something that this exhibition tries to deal with, rightfully taking the shape of a path filled with visual tricks, so similar to those that the old illusionist liked to use both in the stage and in his movies. 

Transparencies, montages, hidden compartiments, juxtapositions and overexposures are, those secret tools that, despite being unveiled, as in every true magician's work, still retain today some of its mystery. 

 

 

 

 

 


Conversaciones con Francis Bacon, de Franck Maubert
Franck Maubert’s Conversations avec Francis Bacon

 

En realidad, el título completo de este libro es El Olor a Sangre Humana No Se Me Quita De Los Ojos, una supuesta cita de Esquilo que en sí misma, y desde la admiración al dramaturgo, es capaz de resumir las obsesiones del genio británico Francis Bacon.

En estas conversaciones, el pintor se muestra abierto e inspirado, desenfrenado, borracho e inteligente, haciendo gala de su famoso wit y profundizando en referentes, manías y pasiones, entre ellas, el vino en abundancia.

Un texto rápido y dinámico, a leer como una tensa obra de teatro a dos voces en que el pintor se revela en su mugriento estudio como el alma misma, el polvo embarrado, la transfiguración sangrante de sus propios cuadros: encerrado, oprimido, sufriente, doliente, amante, solitario y terriblemente carnal.

 

In reality, the full title of this little book is L'Odeur du sang humain ne me quitte pas des yeux, an alleged quote by Aeschylus which itself, yet originating from the deep admiration towards the playwright, is able to summarize the obsessions of the British genius Francis Bacon.

In these conversations, the painter shows himself open and inspired, immoderate, smart and drunk, boasting his wit and talking at large of models, manias and passions, among them, wine in abundance.

A fast, dynamic book, to be read as a tense theater piece for two characters in which the painter reveals himself inside his studio, as the filthy soul, the muddy dust, the bleeding transfiguration of his own pictures: locked, oppressed, suffering, aching, loving, alone and terribly carnal.

 

 

 

 

 


Valhalla Rising, de Nicholas Winding Refn
Nicholas Winding Refn’s Valhalla Rising

 

Disfruto mucho cuando encuentro películas especiales, sin apenas referencias previas, y cuya originalidad se basa, precisamente, en la autenticidad, no solo arqueológica, sino también temática y cultural.

Valhalla Rising me sorprendió por muchos aspectos, como el tratamiento realista de la época y cultura vikinga, pero lo que podía haberse convertido en una simple cinta de espada y aventuras, es mucho más que eso.

Sus largos planos mudos, su frialdad narrativa, sus introspectivos protagonistas y el retrato atávico de la naturaleza nórdica encajan perfectamente con los temas de violencia, muerte, religión y la aceptación sincera del orden de las cosas, incluido el propio destino.

 

 

I really enjoy when I find those special films with only a few previous aesthetic references, and whose originality is based precisely in authenticity, not only archeologically-wise, but also in the cultural and thematic senses.

Valhalla Rising surprised me because of many aspects, as the realistic treatment of the Viking epoch and culture, but what could have just turned into a sword and adventure film, turned out to be much more.

Its long shots, its narrative coldness, its introdpective characters and the atavistic portrait of nordic nature perfectly fit with its themes of violence, religion and death, and the sincere acceptance of the Order of the world, including one's own destiny. 

 

 

 

 

 


Fraude, de Orson Welles
Orson Welles’ F for Fake

 

La exposición en el Círculo de Bellas Artes de Madrid dedicada a la figura del falsificador Elmyr de Hory nos proporciona una excelente excusa para revisar esa excepción cinematográfica de Orson Welles llamada F for Fake.

Es posible que los hechos y personajes narrados en ella ya no estén tan de actualidad como en 1974 (el tejido de tres grandes mentiras, como fueron la obra de Elmyr, la falsa biografía de Howard Hughes escrita por Clifford Irving y el propio documental de Welles); sin embargo, es sorprendente cómo una película rechazada en su día por su atrevimiento técnico, hoy resista tan sólidamente como un ejercicio maestro de documentalismo, periodismo, ficción, montaje, guión y creatividad; sin duda, una obra a reivindicar, pese a que no sea más… que una larga sarta de embustes.

 

The Elmyr de Hory exhibition at the Círculo de Bellas Artes de Madrid gives us an excellent excuse to revise that cinematic exception by Orson Welles called F for Fake. 

It is possible that the facts and characters portrayed are not so in vogue as in 1974 (the weaving of three great lies: Elmyr's own oeuvre, the fake Howard Hughes biography by Clifford Irving and Welles' own documentary); nonetheless, it is still surprising how a movie rejected on its time for its technical audacity, remains today as a solid, masterful exercise in documentary, journalism, fiction, editing, script and in all, creativity: no doubt, a masterpiece to vindicate, despite it being no more than… a bunch of lies.

 

 

 

 

 


El joven Van Dyck en el Museo del Prado
The Young Van Dyck at the Prado Museum

 

Uno de los placeres más inspiradores que el arte del barroco nos puede proporcionar es la admiración de la extraordinaria fuerza, talento y capacidad de algunos titanes que dio el Arte en esta época; como es el caso de Van Dyck.

Sin duda alguna, solo pensar que un joven pintor de apenas ventidós años fuese capaz de pintar, antes de esta edad, 160 cuadros, de gran ambición y formato, que incluso le llevaron a medirse e igualarse con su maestro Rubens, es vertiginoso.

 Es por ello que esta exposición prorrogada del Museo del Prado nos otorga una oportunidad sin par para enfrentarnos a la obra, el ejemplo y la ambición de un joven artista que terminaría siendo uno de los inmortales de la historia del arte por talento, trabajo y derecho propio. 

 

 

One of the most inspiring pleasures that baroque art can offer us is the admiration of the extraordinary strength, talent and capabilities of some of the titans that Art gave to this years, as is the case of Van Dyck.

No doubt, it is almost vertigo-inducing just to think that a young painter, barely 22 years old, had been able to paint, before this age 160 pictures of great ambition and format, and that he even could measure himself up with his own master: Rubens.

It is for those reasons that this exhibition at the Prado Museum gives us an unmatched opportunity to confront the works, example and ambition of a young artist that would end up being one of the immortals in art history in his own right.

 

 

 

 

 


Pajarillo, de Aitor Saraiba
Aitor Saraiba’s Pajarillo

 

¿Que harías durante durante un trayecto en avión de 12 horas y tras tu mayor ruptura sentimental? Aitor Saraiba escuchó mucha música (de todo entre Morrissey, Nacho Vegas y Darkthrone), y también escribió Pajarillo, su segunda novela gráfica tras la impresionante El Hijo del Legionario.

En este cuidado volumen, Aitor logra ampliar una vez más las fronteras de la novela gráfica, partiendo del minimalismo, su línea naif y su exquisitamente delicado sentido del color.

Pero lo que es más importante, Aitor utiliza su obra, su historia, sus recuerdos y la exposición descarnada de sus sentimientos como ser hipersensible para enseñarnos que el camino del perdón, la paz y la valentía pasan por reconciliarnos con lo todo aquello que nos hacer ser… nosotros mismos.

 

 

What would you do during a 12-hour flight and after your biggest sentimental breakdown? Aitor Saraiba listened to quite a lot of music (everything in between Morrissey, Nacho Vegas and Darkthrone) and also wrote Pajarillo, his second graphic novel after El Hijo del Legionario.

In this carefully crafted volume, Aitor manages again to expand the boundaries of what is known as graphic novel, using minimalism, his characteristic naif line and an exquisitely delicate sense of color. 

But most importatnly, Aitor uses his work, his story, his memories and the stark exhibition of his feelings as an hypersensitive being to teach us that the way of forgiveness, peace and braveness is reached when we are reconciled with everything that makes us be ourselves.

 

 

 

 

 


Escuchando a The Doors, de Greil Marcus
Greil Marcus’ The Doors. A Lifetime of Listening to Five Mean Years

 

Aunque parezca mentira, The Doors tuvieron una trayectoria cronológica realmente corta, de tan solo ¡cinco años!

¿Qué ha podido ocurrir para que su música aún nos acompañe hoy en día, cuando la de tantos otros grupos más longevos ha caído en el olvido?

Para resolver esta cuestión, el siempre acertado (gracias a fans y pese a detractores) Greil Marcus se embarca en la aventura de analizar una música que considera, tantos años después, como "llena de vida"

El peculiar autor norteamericano, que asistió en numerosas ocasiones a sus conciertos, pone como siempre, en un contexto mucho más amplio, su música, sus letras, su imagen y muy especialmente, por qué aún hoy en día les recordamos

 

 

Even though it seems difficult to believe, The Doors career was really short, lasting about five years!

What is the reason that explains that their music is still alive and well, when the memory of so many long-lived bands has faded away?

To solve this question, the always conspicous (thanks to his fans and despite his detractors) Greil Marcus has embarked in the adventure of analysing a kind of music that, so many years later, he still considers "full of life".  

This peculiar North American author, that attended many times to their shows, puts in a broader context, as always, their music, lyrics, aesthetics and quite specially, the reasons of why do we still remember them.  

 

 

 

 

 

 


La Sombra del Águila, de Pérez-Reverte y Rubén del Rincón
Pérez-Reverte’s and Rubén del Rincón’s The Shadow of the Eagle

 

Para cada persona, el cómic, tebeo o como se quiera llamar, representa una cosa distinta, y para mi, una de las palabras que mejor lo describen es "aventura".

Y reconozco que hacía muchos años que no encontraba una obra que se dedicara, sin concesiones, a contar una aventura de la manera más épica, emocionante y dramática posible.

He gozado infinitamente pues, con esta propuesta de Arturo Pérez-Reverte, de ritmo feroz, lenguaje vivísimo y sobresalientes diálogos, y de Rubén del Rincón, con el dinamismo de su trazo, sus vertiginosos planos cinematográficos y su poder como dibujante.

Os recomiendo, pues, vivir las desventuras del bastardo batallón 326 a las órdenes del mismísimo Napoleón, y cómo rozaron la gloria para perderla, como tantos en España, de manos del olvido.

 

 

For every person, cómic books, tebeos or whichever way you want to name them, represent a different thing, and for me, one of the words that best describe it is adventure.

And i recognize that it has been years since I found a comic book that, no holds barred, wanted to tell an adventure in the most fast, epic, dramatic way possible.

I have enjoyed ad infinittum with this proposal from Arturo Pérez-Reverte, told with a fierce rhythm, vivid language and great dialogues, and from Rubén del Rincón, with the dynamics of his traces, his dizzying cinematic panels and his power as a penciller. 

I recommend, then, to live the adventures of bastard batallion 326, under Napoleon's comand, and learn how did they almost touched glory to lose it, as so many before and after in Spain, at the hands of oblivion.